Эпоха Возрождения: генезис гуманизма, титаны Ренессанса, Шекспир и Сервантес
Начиная с четырнадцатого столетия итальянские художники и поэты обратили свой взор к античному наследию и попытались возродить в своем искусстве облик прекрасного гармонически развитого человека. В числе первых, кто взял за образец произведения древних греков и римлян, были Джотто и Данте, а затем поэт Франческо Петрарка и новеллист Джованни Боккаччо, скульптор Никколо Пизано и живописец Симоне Мартини. Первоначально термином Возрождение или Ренессанс (фр. Renaissance) обозначали культурно-исторический этап с которого началось изучение античного искусства и литературы, воспринятых как идеальное воплощение внешнего облика и внутренней духовной жизни человека. Понятие «эпоха Возрождения» было введен в научный оборот выдающимся историком искусства Джорджо Вазари в «Жизнеописании великих живописцев, ваятелей и зодчих» (1550).
Принципиальным отличием ренессансного искусства от средневекового явилось воплощения не божественной, а человеческой сущности бытия. Отсюда возникает главный философский принцип эпохи Возрождения - антропоцентризм, согласно которому человек есть центр и высшая цель мироздания.
Поэтому все деятели эпохи Возрождения могут быть названы гуманистами, призванными защищать и прославлять личность от посягательств духовных и светских властей на право человека развивать свои способности и таланты. Выдающийся итальянский гуманист Джованни Пико делла Мирандола (1463-1494) посвящал свои трактаты прославлению человеческого достоинства. В уста Всевышнего он вложил следующие слова, обращенные творцом к первому человеку на земле, сотворенному им: «Я создал тебя существом не небесным, но и не только земным, не смертным, но и не бессмертным, чтобы ты чуждый стеснения, сам себе сделался творцом и сам выковал окончательно свой образ. Тебе дана возможность пасть до степени существа животного, но также и возможность подняться до степени существа богоподобного - исключительно благодаря твоей внутренней воле» .
Гуманистами впервые была провозглашена суверенность человеческой личности, каждый человек обрел право создать себя, то есть выбрать нужный путь, стремиться к успеху и процветанию, заниматься нравственным самоусовершенствованием, не гнушаться физической привлекательности, но напротив выявлять собственное обаяние и искать красоту в окружающем мире.
В эпоху Возрождения устанавливаются новые отношения с Богом, образ которого очеловечивается. Достаточно посмотреть на фрески в ренессансных архитектурных сооружениях, чтобы убедиться в этом. Божество предстает страдающим и размышляющим, физически привлекательным, при этом наделенным национальными чертами, присущим разным странам и народам, в зависимости от того, где трудился над образом творца ваятель или живописец.
Переход от средневековья к гуманизму не был скорым и повсеместным. Начало гуманистическому движению было положено в Италии. Это объясняется тем, что на Аппенинском полуострове более всего сохранилось памятников античности. К тому же Италия была самой развитой страной средневековья. В Италии было больше крупных городов, чем где бы то ни было, а идеи гуманизма могли зародиться только в свободной городской среде. Итальянские купцы совершали дальние торговые экспедиции, мир пред ними раскрывался во всем своем величии и многообразии. Далекие поездки формировали новый тип человека -предприимчивого, деятельного, привыкшего в опасных ситуациях рассчитывать только на себя. Во многих итальянских городах открывались университеты, где наряду с богословием изучались и науки необходимые для жизни. Важнейшими социально-психологическими предпосылками Ренессанса являлись великие географические открытия, изобретение книгопечатания, вытеснение ремесленного хозяйства мануфактурами.
В искусствоведении принята следующая периодизация Ренессанса:
Дученто (XIII в.) проторенессанс;
Треченто (XIV в.) продолжение проторенессанса;
Кватроченто (XV в.) ранний Ренессанс;
Чинквеченто первая половина XVI в. - высокий Ренессанс.
В эпоху Возрождения изменяется само понятие времени и истории. Человечество впервые обретает некую всеобщую цель - «золотой век», навстречу которому оно стремится в поступательном движении. Отсюда происходит формирование утопического сознания, нашедшего свое выражение в жанре утопии (Томас Мор, Франсуа Рабле).
Современная система жанров литературы и искусства в значительной мере оформилась в период Ренессанса. Интерес к внутреннему миру человека и его внешним проявлениям находит свое выражение в жанре портрета. Изучение человека, как правило, начиналось с себя самого, вследствие этого широкое распространение получил автопортрет. Гениальные ренессансные живописцы Леонардо да Винчи, Рафаэль, Дюрер, Караваджо оставили потомкам свои изображения, будучи глубоко уверены в том, что их внешний вид будет привлекать внимание спустя столетия. Они не ошиблись, вглядываясь, в их автопортреты, зритель стремится постичь внутренний мир гения.
Своего рода аналогом автопортрета в литературе можно считать лирическую поэзию. Лирика Франческо Петрарки, Пьера Ронсара, Уильяма Шекспира, Луиса Камоэнса интерпретировала их внутренний жизненный опыт, однако ценители их лирики узнавали в стихах поэтов не только и не столько авторов, сколько самих себя, обнаруживая совпадение и сходство в горестях и в радостях. Лирика субъективна, но вместе с тем лирическая поэзия способна в эмоциональном порыве стать объединителем людей. В эпоху Возрождения главным жанром лирики был сонет. Все перечисленные выше поэты писали сонеты, им удавалось в четырнадцати строках сонета передать творческую устремленность, мечту о поэтическом бессмертии, обретение любви и утрату возлюбленной. Этапы Ренессансной сонетной лирики четко выражены А.С. Пушкиным в первом четверостишии его стихотворения «Сонет»:
Суровый Дант не презирал сонета; В нем жар любви Петрарка изливал; Игру его любил творец Макбета; Им скорбну мысли Камоэнс облекал.
Эпохе Возрождения человечество обязано возникновением романа. На смену средневековому рыцарскому роману с его немыслимой фантастикой приходит изображение реальности, пропущенной сквозь призму иллюзий и фантазий. «Дон Кихот» Сервантеса первый реалистический роман, воплотивший эпос частной жизни на широком фоне объективной действительности. В романе героем выступает отдельный человек, биография которого неразрывно связана с историей, формирующей его личностное сознание. Роман - большая эпическая форма, которой в литературном процессе предшествовала малая эпическая форма - новелла, ведущая свою родословную от средневековых французских фабльо и немецких шванков. Сохраняя их событийность, новелла в эпоху Возрождения обретает более конкретную обрисовку характеров всех участников необычных происшествий, психологическую мотивированность поведения.
Новелла и роман в эпоху Возрождения тесно между собой взаимодействуют: циклы новелл объединенных одним героем, способствовали формированию романного жанра, а в текст романа включались нередко вставные новеллы.
В эпоху Возрождения предстояло заново возникнуть драматическим жанрам. В средние века связь с античной драматургией прервалась. В мистериях и мираклях ставились и разрешались религиозные конфликты. В ренессансной драматургии конфликтом становятся взаимоотношения героя с окружающим миром и самим собой («Гамлет» Шекспира).
Если искусство слова в эпоху Возрождения тесно соприкасается с окружающей действительностью, черпая сюжеты из современной повседневности (Д. Боккаччо) или исторических источников (Шекспир), то в изобразительном искусстве преобладает религиозная проблематика («Тайная вечеря» Леонардо, «Динарий кесаря» Тициана, «Несение креста» Веронезе).
религиозных тем, зачастую небесное сходит на землю, обретая современную конкретику.
На полотнах ренессансных художников мир прекрасен, а человек идеален. Даже страдание не искажает светлый образ святого Себастьяна, пронзенного стрелами, которого так любили изображать ренессансные мастера. В знаменитой скульптуре Микеланджело образ Давида соединяет в себе героическое начало и эстетическое совершенство человека. Историки искусства характеризуют творческий метод писателей и художников эпохи Возрождения как прекрасный реализм. Однако было бы наивным представлять себе реальную жизнь четырнадцатого-пятнадцатого столетий похожей на полотна Рафаэля или комедии Шекспира. Жизнь в эпоху Ренессанса изобиловала кровавыми событиями, в ходе политических интриг в ход пускали кинжалы, мечи, яд. Ренессансная свобода имела свою оборотную сторону. Свободный правитель Флоренции или Венеции не гнушался обмана и клеветы, дабы подавить сопротивление политических противников. Наиболее красноречиво философия антигуманизма была сформулирована итальянским политическим публицистом и историком Никола Макиавелли в его трактате «Государь» (1513): «Как похвально было бы для Князя соблюдать данное слово и быть в жизни прямым, а не лукавить, - это понимает всякий. Однако опыт нашего времени показывает, что великие дела творили как раз князья, которые мало считались с обещаниями, хитростью умели кружить людям головы и в конце концов одолели тех, кто полагался на честность».
Шекспировские персонажи - Ричард III, Макбет, Яго - следуют наставлениям Макиавелли, не будучи непосредственно знакомы с его сочинениями. Но гуманизм на исходе эпохи Возрождения переживает кризис. Свобода воли была обращена во зло на подавление и истребление тех, кто не подчинялся сильной власти, тогда как начало Ренессанса было преисполнено радостных надежд на освобождение человека от духовных пут средневековья.
Возрождение в Италии.
Франческо Петрарка (1304-1374) - первый европейский гуманист (, ). Его отец, как и Данте, незадолго до рождения поэта был изгнан политическими противниками из Флоренции Будучи нотариусом, отец хотел, чтобы Франческо тоже стал юристом. Петрарка изучал право в университетах Монпелье и Болоньи. После смерти отца по его собственному признанию он отправил все юридические сочинения в длительное заточение. Приняв духовный сан, он в 1330г. поступил на службу к кардиналу Джованни Колонна. В качестве его секретаря Франческо Петрарка сопровождал кардинала в поездках во Францию, Фландрию, Германию.
Круг интересов Петрарки был необычайно широк. Он собирал и изучал древние манускрипты, прекрасно знал сочинения греческих философов и поэтов. Знаком был и с трудами отцов церкви. Подобно греческим мудрецам, он стремился к физической привлекательности. Не сомневаясь в том, что будущее поколение ценителей поэзии станут интересоваться не только его стихами, но и его личностью, он написал «Письмо к потомкам», в котором обстоятельно рассказал о своем жизненном пути. Каков он был, Петрарка? По его словам, в молодости был не слишком силен, но весьма ловок. Цвет кожи у него был между бледным и смуглым, зрение долго оставалось зорким. Внешностью своей он не хвастался, но полагал, что в молодые годы был привлекательным. Следуя заветам древних, итальянский гуманист считал, что тот не мудрец, кто не знает себя. Поэтому все его творчество основывалось на глубоком самопостижении, что помогало ему понять все человечество. Петрарка был коронован королем поэтов и был увенчан лавровым венком на римском форуме в 1342 г. Однако основоположника итальянского гуманизма нередко мучили сомнения и терзал и стыд. Не слишком ли он жаждет славы и поклонения? Не много ли забот он уделяет мирским делам, забывая о суде Божьем? Своими сомнениями он поделился в трактате «О презрении к миру», написанном в форме вымышленного диалога, который ведут поэт и Блаженный Августин (353-430). Христианский вероучитель упрекает автора за суетность, за забвение господних милостей, за увлечения телесной красотой, за страстную любовь к донне Лауре. Петрарка признает себя виноватым, но в оправдание вопрошает: «Разве не любовь правит миром»?
Прижизненную славу Франческо Петрарка стяжал своей поэмой «Африка» (1342). Следуя за вергилиевой «Энеидой» он создает на латинском языке пространное повествование о войнах между древним Римом и Карфагеном, на фоне которых развернута трагическая история любви карфагенской царевны Софонисбы и африканского вождя Массиниссы. Поэма осталась незавершенной, а с течением времени - забытой.
В памяти потомков Франческо Петрарка остался автором «Книги песен», над которой он работал начиная с первой встречи с Лаурой вплоть до самой смерти. Поэт оставил такое свидетельство: «Лаура, именитая своими доблестями и долгое время прославленная в моих стихах впервые предстала моим взорам в лета моей ранней юности, в 1327 году, утром, 6 апреля в церкви св. Клары в Авиньоне; и в том же городе того же месяца и в то же день и час 1348 года этот светоч был отнят у нашего света, когда я был в Вероне, не ведая моей судьбы».
Лаура де Нов происходила из знатной семьи, в семнадцать лет в 1325 г. вышла замуж за Уго де Сада, была матерью одиннадцати детей. Умерла в страшный год, когда по всей Европе прокатилась эпидемия чумы. Она не ведала, того, что вдохновила гения поэзии и обрела бессмертие. Поэт искусно обыгрывает имя возлюбленной Laura, ставя его в один ряд с такими образами-символами, как lauro (лавр) l'auro (золото), l'aura (ветер).
По давней средневековой традиции это была любовь издалека. Не стремясь стать возлюбленным Прекрасной дамы, поэт жаждал прославить земной символ небесной любви.
Как и Беатриче у Данте, Лаура в стихах Петрарки олицетворение духовного совершенства, мудрости, любви. Но образы возлюбленных у поэтов имеют одно существенное отличие. Беатриче - прекрасна, Лаура - красива. У Данте мы не найдем описания внешнего облика, тогда как Петрарка замечает белизну ее рук, золото волос, легкую походку. Портрет Лауры реальнее и конкретнее, но главное внимание по-прежнему уделяется не страсти, а добродетели.
«Книга песен» состоит из двух частей: «На жизнь мадонны Лауры» и «На смерть мадонны Лауры». В первой части звучат признания, сколь счастлив поэт, лицезреющий Лауру. Лирика Петрарки носит медитативный характер, в стихах отсутствует событийность, он размышляет, что такое любовь и почему любовь делает влюбленного одновременно счастливым и глубоко несчастным:
Благословен день, месяц, лето, час И миг, когда мой взор те очи встретил! Благословен тот край и дол тот светел, Где пленником я стал прекрасных глаз! Благословенна боль, что в первый раз Я ощутил, когда и не приметил, Как глубоко пронзен стрелой, что метил Мне в сердце Бог, тайком родящий нас! (Пер. Вяч. Иванова).
Франческо Петрарка открыл диалектику чувств, соединяющих радость со страданием. Во второй части поэт самочинно, подобно Данте, канонизирует возлюбленную, соответственно образ ее обретает черты святости. Уход Лауры из жизни - это не только горе поэта, но и сама природа продолжает скорбеть и хранить о ней память.
«Книга песен» включает 317 сонетов, 29 канцон, 9 секстин, 7 баллад и 4 мадригала. В большинстве своем это стихи о любви, однако Петрарке не чужда была патриотическая проблематика. В знаменитой канцоне «Моя Италия» он горюет о разорении страны, вызванном междуусобицами.
Франческо Петрарка открыл лирику своего времени. Заслугой его является то, что он продемонстрировал безграничные возможности сонета.. Многочисленные его подражатели и продолжатели - их обычно называют петраркистами - культивировали жанр сонета, варьируя в своем творчестве мотивы платонической любви.
Джованни Боккаччо (1313-1375) при жизни не завоевал у своих современников того признания какое он получил впоследствии. Автор «Декамерона» вошел в историю мировой литературы, как создатель жанра новеллы.
Свои молодые годы он провел в Неаполе при дворе короля Роберта Анжуйского, в побочную дочь которого он был влюблен. Марии д'Аквино Боккаччо посвящает первые свои произведения, в том числе и сонеты.
В ряде юношеских произведений будущий новеллист осваивает уже сложившиеся жанры античности и средневековья. Так, поэма «Амето» (1342), рассказывающая о встрече пастуха Амето с двенадцатью нимфами, которые олицетворяют человеческие добродетели, представляет собой пастораль. Написанная автором поэма «Фьезоланские нимфы» (1344) – аллегория, повествующая о возникновении Флоренции на холмах, где в древности резвились нимфы. «Элегия мадонны Фьяметы» (1345) тяготеет к жанру исповеди. Это грустное повествование о судьбе покинутой женщины. Характерно, что уже в ранних произведениях Боккаччо избирает любовные сюжеты, а в их трактовке следует традициям Овидия и куртуазных поэтов.
«Декамерон» (1348-1353) - по-гречески - десятидневник. Семь флорентийских красивых девушек и трое благовоспитанных юношей укрываются на загородной вилле от эпидемии чумы. Они проводят в уединении десять дней. Каждый рассказывает ежедневно по одной забавной, трогательной или поучительной истории. Всего в «Декамероне» получилось сто новелл. Обрамление несет в себе важный смысл. Оптимистическое содержание большинства новелл контрастирует с атмосферой чумного города. Автор внушает мысль: помня о смерти, радуйся жизни.
Компания молодежи выступает в роли рассказчиков, тем самым Боккаччо подчеркивает, что новеллы - не плод фантазии автора, они существовали до сочинителя, они реальны и изначально бытовали в городской среде. Автор берет на себя роль беспристрастного повествователя. Сами же рассказчики являют собой идеальные натуры, они лишены характерности, а само их времяпрепровождение - утопия в хаосе смерти.
Новелла - рассказ о каком- то неслыханном происшествии. Значительная часть «Декамерона» посвящена любовным приключениям. Во многих случаях речь идет о грубой чувственной любви, чуждой каких-либо запретов и догм. Таковы в большинстве своем новеллы седьмого дня, в которых говорится о проделках неверных жен, а также новеллы восьмого дня, в которых мужья состязаются с женами в разного рода хитростях. В этих сюжетах ощутима тема средневековых фарсов и фабльо. Более соответствуют духу Ренессанса новеллы, в которых рассказывается о том, как страсть облагораживает влюбленного. Такова, например, первая новелла пятого дня о Чимоне, который под влиянием любви к Ифигении, обретает духовное совершенство. О самоотверженной любви рассказывается в девятой новелле пятого дня, в самой последней - сотой новелле и многих других.
В «Декамероне» много антиклерикальных анекдотов. Любовных утех добиваются, разного рода хитростями монахи и священнослужители. Автор осуждает их не за тягу к наслаждению, а за ханжество и лицемерие. В сатирических новеллах комический эффект создается за счет того, что проповеди церковников расходятся с их постулатами. Положительным героем многих новелл выступает деятельный, предприимчивый человек, который подвергаясь разного рода испытаниям, выходит из них победителем, за счет своего ума и воли к жизни. Таковы злоключения новелл пятого дня, в которых героям удается перехитрить фортуну.
В «Послесловии автора» Боккаччо, предвидя возможные упреки критиков в чрезмерной откровенности новелл, оправдывается тем, что он стремился развлечь своих читателей незамысловатыми веселыми историями. Своей цели он достиг. Сотней новелл он представил яркую картину жизни, в которой всему находится место: любви и ненависти, испытаниям и наслаждениям, вере и суевериям, а главное жизни во всех ее проявлениях.
Вслед за «Декамероном» в Италии и в других странах новелла становится ведущим прозаическим жанром. Новеллы по образу «Декамерона» создают Франко Сакетти (ок. 1330-1400), Томазо Гвардато, писавший под псевдонимом Мазуччо (1410 или 1415-1475), Матео Банделло (ок. 1485-1561), новелла которого о любви юных веронцев Ромео и Джульетты, получила, благодаря шекспировской трагедии мировую известность. У итальянского новеллиста Джеральди Чинтино (1504-1573) Шекспир позаимствовал сюжет трагедии «Отелло». Опираясь на опыт Джованни Боккаччо новеллистические циклы «Кентерберийские рассказы» создает в Англии Джеффри Чосер (ок. 1340-1400) и во Франции «Гептамерон» Маргарита Наваррская (1492-1549).
На протяжении XV-XVI вв. Италия продолжала оставаться разделенной на ряд самостоятельных городов-государств. Власть в Милане принадлежала военачальнику Сфорца, а впоследствии другим кондотьерам, которые установили тираническое правление. В Ферраре от поколения к поколению передавалась власть аристократическому семейству д'Эсте которые покровительствовали знаменитым итальянским поэтам – Маттео Боярдо - создателю поэмы «Влюбленный Роланд» (1486) и Лодовико Ариосто, продолжившему повествование о любовных приключениях героя французского эпоса в грандиозной поэме «Неистовый Роланд» (1532). Драматически складывались отношения с семейством феррарских герцогов д'Эсте поэта Торквато Тассо, который, следуя за античным Гомером и Вергилием, создал поэму о походах крестоносцев «Освобожденный Иерусалим» (1575).
Во Флоренции власть принадлежала семейству банкиров Медичи. Подражая античным правителям, Козимо Медичи создал Платоновскую Академию, в которой изучалось наследие греческого философа, что было вызовом официальному христианскому вероучению. Неоплатонизм повлиял на изобразительное искусство, в частности на живопись Сандро Боттичелли (1446 – 1510). На своих знаменитых полотнах «Мадонна с младенцем» («Magnificat») «Мадонна на троне с ангелами» он изображал молодых нежных женщин, нашедших свое счастье в материнстве. Их внутренняя жизнь полна созерцательности и таинственности. Боттичелли выражал флорентийский неоплатоновский дух - энтузиазм, вызванный ностальгией по утраченной навсегда античной гармонии духа и тела. Языческой мифологией овеяна его «Аллегория весны», написанная по заказу семейства Медичи. Картина воссоздает смену времен года, неизбежность отступления весеннего расцвета природы под властью законов времени. С античным мифом связан замысел одной из самых известных картин Боттичелли «Рождение Венеры». Венеру, выходящую из морской глади, два зефира ветрами направляют к земле в то время как Весна накрывает ее своим плащом. Боттичелли утверждает мысль неоплатоников: красота рождается из союза духа и материи, идеи и природы. Свое восхищение «Божественной комедией» Данте Сандро Боттичелли выразил в иллюстрациях к поэме.
Высший расцвет Флорентийской республики во второй половине XVI в. связан с правлением Лоренцо Медичи, прозванным Великолепным. Он сам обладал ораторским и поэтическим даром, до умел ценить талант окружающих его поэтов и художников. Лоренцо Великолепный приблизил к себе поэта и драматурга Анджело Полициано, философа-гуманиста Пико делла Мирандолу, живописца, скульптора архитектора и поэта Микеланджело Буонарроти (1475-1564), который начинал как ваятель. В кружке Лоренцо Великолепного оценили его рельеф, изображающий борьбу Геракла с кентаврами, а изваяние спящего амура скульптор выдал за античный подлинник, и ему поверили, настолько совершенным было его творение. Место первого итальянского скульптора он завоевал своим изваянием Pieta, - изображающим Богоматерь с мертвым Христом на коленях.
Возле галереи Уфиции, где собраны шедевры Ренессанса, была установлена мраморная скульптура Давида, победившего Голиафа. Поразительное мастерство Микеланджело проявилось в том, что гигантская фигура была высечена из цельной глыбы мрамора. Отсюда и пошло знаменитое определение искусства ваяния: скульптор из материала устраняет все лишнее, оставляя только образ.
В начале XVI в. Микеланджело был вызван папой Юлием II в Рим, где им было создано по его заказу, множество скульптур и рельефов, в том числе и его гробница, украшенная статуями библейских пророков. Вскоре папа охладел к сооружаемой ему усыпальнице, посчитав это дурной приметой. Взамен он повелевает Микеланджело украсить потолок Сикстинской капеллы. Не занимавшийся прежде живописью мастер расписывает шестьсот метров поверхности грандиозным циклом фресок «Страшный суд», представляющим собой грандиозную мистерию сотворения мира и человека.
На склоне лет Микеланджело посвящает себя архитектуре. Безвозмездно для славы Божьей он руководит сооружением собора Святого Петра в Риме, но смерть прервала работу.
Любовь шестидесятилетнего Микеланджело к знаменитой поэтессе Виттории Колонна вызвала в нем талант стихотворца. Свои чувства он выразил в цикле сонетов, ей посвященных:
Молчи, прошу, не смей меня будить. О, в этот век преступный и постыдный, Не жить, не чувствовать - удел завидный... Отрадно спать, отрадней камнем быть. (Пер. Ф. Тютчева).
В то же самое время, когда Микеланджело создавал фрески Сикстинской капеллы, Рафаэль по поручению папы Юлия II расписывал станцы (покои) дворца в Ватикане. Следуя средневековой традиции, он изобразил аллегорические фигуры, символизирующие богословие, философию, поэзию и юриспруденцию. Рафаэль придал живую конкретность отвлеченным понятиям, наделив их ренессансной яркостью. Так в знаменитой фреске «Афинская школа» на фоне грандиозного Храма Науки он изобразил ученых мужей древности Платона, Аристотеля, Эвклида, Пифагора, Эпикура, включив в общество античных мудрецов и себя, что должно было выразить преклонение самого Рафаэля перед античной культурой и связь с нею ренессансного гуманизма.
Копии станц Рафаэля можно увидеть в Эрмитаже, так же как и его раннюю работу «Мадонна Констабиле», написанную, когда ему не было еще семнадцати лет. Но уже в этой картине проявляется присущий всему творчеству Рафаэля тонкий лиризм. Мадонна предстает в облике совсем юной наивной девушки, с ее образом удивительно гармонирует весенний пейзаж.
Контуры биографии Рафаэля хорошо известны. Он прожил ровно тридцать семь лет. Родился 6 апреля 1483 года и умер 6 апреля 1520 года, тоже в страстную пятницу. Он был восьмилетним, когда умерла его мать, одиннадцатилетним, когда ушел из жизни и отец, - живописец при дворе урбинского герцога. На стене мастерской отца Рафаэля Джованни в их урбинском родовом доме сохранилась фреска - портрет матери Рафаэля с маленьким сыном. Будучи во Флоренции Рафаэль пишет свой автопортрет, когда ему было чуть более двадцати лет. Пышные волосы обрамляют голову, шея открыта. Задумчивый взгляд обращен к зрителю, но мысль художника направлена вовнутрь. Автопортрет предельно лаконичен, внешние подробности сведены к минимуму, смысл автопортрета в передаче духовной целеустремленности молодого гения. Недаром биограф Джорджо Вазари характеризовал Рафаэля как ласкового, доброжелательного юношу, которого природа наградила безмерной добротой и скромностью. Черты характера Рафаэля нашли отражение в его мадоннах, которых Вазари метко назвал «прекрасными сестрами Рафаэля». Очарование и доброта объединяют модели с их автором.
Шедевром Рафаэля признан алтарный образ Богоматери «Сикстинская Мадонна», которая была написана для алтаря святого Сикста в церкви бенедектинцев города Пьяченца лет за пять-шесть до кончины художника. Ныне «Сикстинская Мадонна» хранится в Дрезденской галерее. На пышной подушке облаков коленопреклоненны христианские мученики старый папа Сикст II и юная прекрасная святая Варвара, расположенные симметрично, они с умилением, устремляют свои взоры на ступающую среди облаков Богоматерь. Идеальная фигура Марии овеяна серебряной дымкой. Три фигуры образуют треугольник, сомкнутость и единство их усилены отдернутым в верхних углах картины занавесом. Образ Царицы небесной исполнен земной, жертвенной любви, она - наставница и защитница людей, она - мать, которой предстоит величайшее испытание на земле. Вот почему ее взгляд исполнен светлой печали. Описывая свое итальянское путешествие в книге прозы «Пространство Эвклида» Кузьма Петров-Водкин говорит: «К Рафаэлю приходишь как на отдых. Эта нежная ясность, детская гениальная шаловливость с цветом и формой, то беззаботно жизнерадостная, то задумчивая и грустная - она обезоруживает вас, отпускает напряженные мускулы. Как совершенный в своих силах, Рафаэль не боится композиционных канонов. Не страшно и просто было бы жить в рафаэлевском живописном пространстве: ни один персонаж не обидел бы вас и принял бы в свою среду, и у вас не явилось бы мысли потревожить их раздумий».
Леонардо да Винчи (1452-1519), прозванный так по месту своего рождения в горной деревушке Винчи неподалеку от Флоренции, – гениальный итальянский живописец, зодчий, инженер, оптик, является одним из прославленных титанов эпохи Возрождения. История знает немного примеров такого полного и богатого развития личности.
Первоначальные навыки рисования Леонардо приобрел в мастерской флорентийского скульптора и художника Андреа де Вероккьо (1435 – 1488), на картине которого, изображающей крещение Христа, ученик нарисовал одного из ангелов и, возможно, пейзаж на заднем плане.
В 1481 г. монастырь Сан-Донато в Скопето заказал картину на тему поклонения волхвов, которая осталась незавершенной. Отказавшись от бытовой детализации, молодой мастер сосредоточился на изображении круга людей, вовлеченных в событие, которое повернет развитие человечества. Вдали видны руины, на фоне которых сражаются люди, что представляет собой намек на рушащийся мир язычества и предстоящую борьбу последователей Христа за души верующих. Сгруппировавшиеся вокруг Девы Марии и младенца Христа пришельцы охвачены экстатическим волнением, каждый из них по-своему переживает казалось бы обычное событие -рождение младенца - как всемирноисторическое.
По приглашению миланского правителя Лодовико Моро Леонардо покидает Флоренцию, не закончив работу над «Поклонением волхвов». Незавершенная картина хранится в галерее Уффици во Флоренции.
также постройкой Миланского собора.
К миланскому периоду относится сооружение колоссальной конной статуи герцога Франческо Сфорца. Современники признавали ее чудом ваяния, однако в 1499 г. еще до завершения памятника он был разрушен французскими войсками во время вторжения иноземцев в Милан.
Сохранились лишь проекты и эскизы в Виндзорской королевской библиотеке.
Драматично сложилась судьба другого шедевра Леонардо - фрески «Тайная вечеря» в трапезной доминиканского монастыря Санта Мария делла граце. Написанное масляными красками на стене монументальное создание гения плохо сохранилось, а неудачная реставрация только усугубила потери. В этом произведении необычайно ярко проявляется психологизм автора: на слова Христа, о том, что за столом присутствует предатель, все двенадцать учеников реагируют с поразительным разнообразием. К миланскому периоду относится картина «Мадонна в гроте». В этом традиционном евангельском сюжете восхищает талант Леонардо в создании перспективы: сюжет как бы обращен вдаль пространства - в будущее.
В 1503 г. Леонардо да Винчи вернулся во Флоренцию. По заказу совета Леонардо писал на конкурс, состязаясь со своим современником Микеланджело, для залы совета большую картину, изображавшую битву флорентийцев с миланцами при Ангиари в 1440 г. Следует заметить, что сами по себе политические конфликты мало занимали художника-баталиста. Эта картина так же осталась в эскизах, до нас дошел лишь центральный фрагмент, запечатлевший схватку всадников за обладание штандартом.
Во Флоренции была создана картина, которая считается по праву самым известным во всем мире произведением живописи. Это Мона Лиза («Джоконда»), - портрет знаменитой красавицы того времени - супруги богатого флорентийца Франческо дель Джоконды, породивший множество легенд. Сама загадочная улыбка молодой прекрасной дамы инициировала всевозможные версии, связанные с портретом. Легенды мало похожи на правду, замечательно в этом шедевре Леонардо тончайшее мастерство в передаче внутреннего мира Моны Лизы, которая поражает своим спокойствием, согласием с миром природы и людьми, веками всматривающимися в ее портрет.
В 1509 г. французский король Людовик XII пожаловал Леонардо звание придворного художника. Леонардо по заказу короля пишет парные картины «Святая Анна» и «Святой Иоанн», которые попадают в Лувр. В 1515 г. Леонардо в свите французского короля Франциска I из Флоренции едет в Париж. Во Франции Леонардо да Винчи встречен с почестями, однако работал он на чужбине мало. Он умер в замке Сен-Клу близ Амбуаза.
Итальянское искусство и литература оказали огромное влияние на развитие Ренессанса во Франции, в северных странах, а затем и в Англии и Испании. Просвещенные читатели всей Европы знакомились в переводах и переложениях с произведениями итальянских поэтов и новеллистов; с картин знаменитых итальянских живописцев делались гравюры, которые имели самое широкое хождение. Художники северной Европы устремлялись в Италию, чтобы воочию увидеть памятники античности и шедевры современных мастеров.
Французские и испанские короли пытались подражать в роскоши и меценатстве некоронованным властителям Флоренции. Они окружали себя даровитыми живописцами и поэтами, которые увековечили их облик и деяния на портретах и в хвалебных виршах. Однако заря Ренессанса была омрачена религиозной рознью: борьба католиков и протестантов казалась нескончаемой. Поводом для кровопролитий были не столько церковные догмы, сколько причины материального свойства: борьба за власть, перекраивание географических карт, усиление касты собственников, вступивших в схватку с наследственной военной аристократией.
Но чтобы побоище стало всеобщим, надо было одурачить тысячи верующих, разделить паству на сторонников папы и протестантов. Инициатором борьбы с Ватиканом выступил Мартин Лютер (1483-1546). Ревностно изучая Библию, августинский монах пришел к мысли, что путь к спасению души только в вере и не зависит от того, сколь усердно верующий соблюдает католические обряды. Христианин сам по себе обладает божественной благодатью без церковного посредничества, его долг в самостоятельном следовании божественному промыслу. Всякая достойная мирская деятельность есть не что иное, как служение Господу. 31 октября 1517 года в Виттенберге он прибил к дверям местной церкви 95 тезисов, которые вскоре стали известны по всей Германии и всюду были встречены с пониманием. Лютер выступил против отпущения грехов церковью посредством индульгенций, продажа которых приносила немалый доход Ватикану. Лютер протестовал против монашества как высшей формы религиозного подвижничества и тем самым санкционировал секуляризацию монастырской собственности. В чем причина его успеха? Бюргерство жаждало дешевой религии и получило ее. Феодалы хотели сами распоряжаться своими доходами, не делая никаких отчислений в папскую казну. Мартин Лютер и его многочисленные последователи не были борцами за свободу разума и совести, они лишь ограничили духовную власть разумными пределами.
Проповеди Мартина Лютера имели грандиозный успех еще и потому, что он заговорил в кирхе на немецком языке. Он сам перевел Библию, которая стала по-настоящему понятна прихожанам. Еретик стал героем и основателем новой конфессии, последователи которой появились и во Франции и стали называться гугенотами. Приверженцы Реформации объявились сперва в Швейцарии среди французских эмигрантов, они считали себя друзьями по присяге (по-немецки: Eidgenossen), откуда возникло французское слово «гугеноты».
Наставником гугенотов стал Жан Кальвин (1509-1564). Познакомившись в Париже с идеями Лютера, он попытался придать им большую строгость и четкость. В сочинении «Наставления в христианской вере» (1536) он утверждал, что каждый человек - «божий избранник»; независимо от того, предопределено ли Господом ему спасение души он должен добиваться райского блаженства усердным трудом на профессиональной ниве и аскетизмом. Он ратовал за скромность церковных обрядов, считал недопустимой роскошь в храме и в доме, запрещал развлечения, будь то танцы или светские песнопения. Прихожане должны были быть одеты неярко, об украшениях не могло быть и речи, а подчинение пастору полагалось беспрекословным. Кальвинизм внедрял в сознание буржуазную умеренность и пуританство, что импонировало гугенотам, видевшим, сколь непохожи обычаи клириков на заветы отцов церкви.
Кальвин был изгнан из Франции, бежал в Швейцарию, там создал первые церковные общины кальвинистов, которые вскоре возникли в Париже и в других французских городах.
Гонения на гугенотов только усиливал их авторитет. Если первоначально учение протестантов нашло отклик в среде нарождающейся буржуазии и мелкого дворянства, то затем учение гугенотов проникло и в аристократическую среду. Гугенотами становились представители семей высокопоставленной знати, выражая тем самым протест против абсолютистских притязаний королевского двора.
Ренессанс во Франции.
Портрет короля Франсиска I (1515-1547), написанный придворным живописцем Жаном Клуэ, изображает человека могучего и жизнелюбивого. Портрет не велик по размерам, кажется, что этому сильному и уверенному в себе человеку тесно в рамках картины. Его сестра Маргарита Наваррская (1492-1549) рассказала в некоторых новеллах своего «Гептамерона» об амурных похождениях венценосного сластолюбца. Франсиск I, побывавший в Италии был наделен поистине ренессансным характером и в начале своего правления охотно покровительствовал движению гуманистов. При нем был открыт в противовес схоластической Сорбонне Французский коллеж (College de France), в котором изучали латынь и древнегреческий. Возглавил коллеж знаток античности видный ученый Гильом Бюде.
На смену готике приходит ренессансная архитектура. Обновляется фасад Лувра, возводится замок Шамбор. Строятся шпалерные мануфактуры. Сам уклад жизни становится более радостным и оптимистичным. Эти гуманистические надежды вылились у Франсуа Рабле (1494-1553) в истинный гимн эпохе: «Ныне науки восстановлены, возрождены языки: греческий, не зная которого человек не имеет право считать себя ученым, еврейский, халдейский, латинский. Ныне в ходу изящное и исправное теснение (книгопечатание - В.П.), изобретенное в мое время по внушению Бога, тогда как пушки были выдуманы по наущению дьявола. Всюду мы видим ученых людей, образованнейших наставников, обширнейшие книгохранилища, так что на мой взгляд, даже во времена Платона и Цицерона, было труднее учиться, нежели теперь, и скоро для тех, кто не понаторел в Минервиной школе мудрости, все дороги будут закрыты».
Начиная грандиозное повествование «Гаргантюа и Пантагрюэль», Франсуа Рабле был преисполнен радужных надежд, а завершая книгу, опасался, как бы его творение заодно с автором инквизиторы не отправили на костер.
Напуганный размахом движения протестантов Франсиск I принялся укреплять устои католицизма. В конце своего недолгого правления он резко размежевался с гуманистами, которым симпатизировал в юные годы.
Все это нашло отражение в творчестве Франсуа Рабле.
Будущий писатель родился в семье адвоката на юге Франции в провинции Турень. Солнечный благодатный край виноградников он сделал местом действия первых двух частей своей книги «Гаргантюа и Пантагрюэль». Франсуа Рабле был монахом, но монахом особого рода - ученым, философом и врачом. Он изучал медицину в университете в Монпелье, одним из первых рискнул анатомировать трупы, что запрещалось церковью. Молодого врача пригласил в качестве личного лекаря епископ Парижский Жан дю Белле. Вместе с ним он побывал в Италии, ренессансная культура которой оказала на писателя благотворное влияние.
воинов превратились в обжор и пьяниц. Сатира на рыцарей свидетельствовала об историческом переломе, когда воины в латах и кольчугах уже не могли совершать былые подвиги, так как было изобретено огнестрельное оружие.
Рабле сохранил канву сюжета, но за насмешками словоохотливого балагура и весельчака, каким представляется рассказчик, скрыт глубокомысленный взгляд на современность.
Троица великанов - дед Грангузье, сын Гаргантюа и внук Пантагрюэль - сказочные короли, занятые возлияниями и изобильными трапезами. Они мало заботятся о благе своих подданных, но по мнению Рабле это и есть лучшая форма правления, ибо свободный король вовсе не посягает на свободу своего народа. В винопитии следует видеть игру: как заправские деревенские пьяницы, короли и их приближенные состязаются, кто кого перепьет. У Рабле великое множество безобидного обмана, всяческих приколов, ложных клятв, божбы - словом всевозможного надувательства. Но при этом он всегда точен, конфиденциально сообщая, с точностью до последней кружки сколько больших и малых бочонков было выпито. Чем больше лжи, тем больше точных цифр - обманщик Рабле прекрасно усвоил это правило и постоянно им пользовался.
Атмосферу игры усиливает особая языковая стихия повествования. Для Рабле не приемлемо правило: краткость - сестра таланта. Напротив, он многоречив, разговорчив, болтлив, бранчлив. Он владеет несметным языковым богатством и щедро делится своими запасами с читателем. Французская речь во всей своей красе теснит лаконичную латынь. Француз Рабле явился одним из создателей языка французской прозы.
«Гаргантюа и Пантагрюэль» - это еще не роман, но в тексте Рабле содержатся истоки нескольких разновидностей романического жанра. Рассказывая о том, как воспитывался Гаргантюа мудрым учителем-гуманистом, Рабле намечает контуры биографического воспитательного романа. Эпизод сражения в винограднике с соседним королем - желчным злодеем, чем не эскиз батального романа? А когда отличившийся в потасовке брат Жан устраивает Телемскую обитель, где каждый вправе делать что хочет, это уже заявка на роман-утопию.
Свобода - самое любимое слово Рабле. Человек рождается свободным, чтобы жить свободно. Автору кажется, что призрак свободы возник на руинах феодализма. Но он опережает время, выдавая желаемое за реальность. Самой свободомыслящей личностью в романе является Панург - «мужчина лет тридцати, среднего роста, не высокий, не низенький с крючковатым, напоминавшим ручку от бритвы носом, любивший оставлять с носом других, в высшей степени обходительный, впрочем, слегка распутный и от рождения подверженный особой болезни, о которой в то время говорили так: безденежье - недуг невыносимый». Что касается последней напасти, то Панург знал шестьдесят три способа добывания денег, из которых самым, честным и самым обычным являлась незаметная кража.
Панург воплощает свободу, всего на свете, игнорируя отжившие моральные правила. Он свободен как деревенский парень, сбежавший от своих хозяев в город. Но у него отсутствует понимание того, для чего ему свобода, как он может ею распоряжаться.
С появлением Панурга повествование устремляется в новое жанровое русло - путевой эпос. Дело в том, что Панург замыслил жениться, но опасается не будет ли он рогат. Так как никто из двух десятков советчиков ничего путного не рекомендовал, решено было отправиться за истиной в Китай к оракулу божественной бутылки. Все персонажи двинулись туда на корабле, проплывая мимо островов, на которых Рабле собрал всех врагов рода человеческого: взяточников судей, жирных католических монахов, аскетов-протестантов, схоластов, богословов и прочую нечисть.
Завершал повествование, видимо, не сам Рабле, а кто-то из его учеников. Оракул божественной бутылки опустил оную в воду, воздух выходя издал звук trink (пей). Панург возликовал, но Пантагрюэль резонно заметил, что речь идет не о винопитии, - смысл человеческого существования в том, что надобно пить из чаши познания, и тут возразить нечего.
В сознании потомков образ автора слился с его героями, поэт Пьер Ронсар сочинил следующую эпитафию:
Бывало, солнце не взойдет, А уж покойный встал и пьет. Бывало ночь в окно глядится А он все пьет и не ложится... О путник, с легкою душою, Закусывая ветчиной Бочонок доброго вина Над гробом сим распей сполна. (Пер. Ю. Корнеева).
религиозные распри разоряют родину и ее народ, поэт ратовал за единение своих соотечественников.
Продолжая традиции Петрарки, он воспевал любовное чувство в сонетах. Причем увлечения поэта Кассандрой, Марией и Еленой, которым он посвятил поэтические циклы, были не умозрительными, а вполне реальными отчего любовные признания звучат искренне и откровенно. Один из последних сонетов, обращенных к Елене, перевел В. Набоков:
Когда на склоне лет и в час вечерний, чарам Стихов моих дивясь и греясь у огня Вы скажете, лицо над пряжею склоня: Весна моя была прославлена Ронсаром, - При имели моем служанка в доме старом Уже дремотою работу заменя - Очнется, услыхав, что знали вы меня, Вы, - озаренная моим бессмертным даром. Я буду под землей, и призрак без костей, Покой я обрету средь миртовых теней. Вы будете в тиши, склоненная, седая Жалеть мою любовь и гордый холод свой, Не ждите - от миртовых дней, цените день живой, Спешите розы взять у жизненного мая.
Заключительная мысль этого сонеты проходит через всю поэзию Пьера де Ронсара, не устававшего повторять, что жизнь радостна и прекрасна, но столь кратка, что не следует тратить ее на бесполезные религиозные дебаты и бессмысленную вражду.
Искусство и литература по ту сторону Альп ориентировалось на бюргерскую среду и было самым тесным образом связано церковной реформацией. В Германии, Нидерландах, Фландрии Ренессанс сохранял готический традиции: интерес к религиозной проблематике, сатирическое осмеяние католического мира, проповедь благочестия. Причем едва ли не главной добродетелью почитались бедность и скромность. Гуманисты рассуждали так: богатство разделяет людей, а бедность уравнивает. Поэтому не пора ли вернуться к заветам вероучителя и его апостолов? Таков Себастьян Брант (1457 или 1458-1521) - представитель раннего немецкого гуманизма. Наиболее значительное его произведение сатирико-дидактическое «зерцало» «Корабль дураков» (1494), в котором критика общественных нравов сочетается с дидактикой - стремлением привить бюргерству добропорядочное поведение. Истоком сатиры явился так называемый «праздник дураков» - карнавальное действо, выворачивающее привычные нормы и представления. На этот сюжет была написана картина Иеронима Босха «Корабль дураков». Мотив дурачеств присутствует в картинах Питера Брейгеля Мужицкого (1525-1569), изображавшего «идиотизм деревенской жизни» в селениях близ Антверпена и Брюсселя. Первое издание сатиры «Корабль дураков» иллюстрировал Альбрехт Дюрер гравюрами на дереве.
зависть и т.д.), но все пороки, с точки зрения автора, проистекают вследствие природной человеческой глупости.
Галерея образов многолика. Это и дурачки-старички, обучающие молодых всякому вздору; это и волокиты, готовые терпеть любые издевки плутовки Венеры, это и сплетники, интриганы и склочники. На корабле находятся и самовлюбленные, подхалимы, игроки, врачи-шарлатаны и представители других профессий. Автор старается не упустить ни одно человеческое прегрешение. Гуманист-сатирик собрал всю разношерстную компанию дурней, чтобы посадить их на корабль, отплывающий в Глупландию - мифическую страну дураков. Он жаждет очистить свой народ от всего, что не согласуется со строгими евангельскими моральными требованиями.
Вслед за Себастьяном Брантом традиции немецкой простонародной литературы о дураках использовал в своем сочинении наиболее значительный представитель гуманистического движения Северной Европы Дезидерий Эразм Роттердамский (1469-1535), сатирик, философ и богослов, писавший на латыни. Он принял монашеский сан, однако вскоре покинул монастырь. Приобрел авторитет как толкователь священных текстов и знаток античной филологии. Жил во Франции, Англии, Италии, Германии, Швейцарии. Издал с комментариями греческий текст Нового Завета (1516), а также сочинения Аристотеля, Сенеки, Теренция.
Самым популярным произведением Эразма является его сатира «Похвала Глупости» (1509 г.). Эразм изобразил госпожу Глупость на кафедре произносящей пространную речь по всем правилам риторики. Эразм прячется за госпожу Глупость, чтобы изрекать истины, которые не рискнул бы произнести он сам, гуманист и мудрец, немало постранствовавший по городам и весям средневековой Европы, чтобы убедиться в том, что всюду царствует госпожа Глупость. С точки зрения автора, глупость - это порок, который никогда не бывает единственным. Госпожа Глупость шествует по миру в окружении своих ближайших подруг Лести, Лени, Сластолюбия, Чревоугодия и прочих человеческих слабостей, которым автор дает древнегреческие имена.
Сатирическая мысль Эразма развивается по нарастающей. В начале сатира имеет бытовую и нравственную направленность. Госпожа Глупость хвастает тем, что люди обязаны ей жизнью, ведь женщины нравятся мужчинам благодаря глупости тех и других. Ссорящихся супругов способна примирить лишь только она - всесильная госпожа Глупость. Эразм в своих иронических сентенциях утверждает, что именно глупость соединяет друзей. В подтверждение этого госпожа Глупость говорит о том, что чем больше люди пьют, тем глупее становятся, а пьяный готов считать своим другом кого угодно.
в нескольких европейских университетах, в том числе в Парижском и Кембриджском, Эразм дает весьма нелестную характеристику своим коллегам и питомцам. Госпожа Глупость полагает, что самым ревностными ее служителями являются грамматики, правоведы, философы и богословы. Будучи невеждами, они вдалбливают в головы своих учеников всевозможные псевдоистины, дабы последние превзошли первых глупостью и невежеством.
Госпожа Глупость числит среди своих подданных и королей, потому что, по мнению Эразма, глупость создает государства, поддерживает трон и церковь.
Накануне Реформации Эразм позволяет себе обличать папство, за несоответствующую заветам Христа страсть к роскоши и пышности богослужения. Эти сатирические пассажи встречали особое сочувствие всех протестантов, недовольных поборами папской курии.
Но Эразм не ограничивается критикой католического клира. В устах известнейшего богослова, вернее его героини госпожи Глупости прозвучала мысль, опередившая свой век не на одно столетие: «Христианская вера -сродни глупости». Конечно, это можно было посчитать чрезмерным бахвальством госпожи Глупости, но несомненно ощутимо здесь скептическое, до конца не сформулированное отношение Эразма к религии в целом. Этим, по-видимому, можно и объяснить тот факт, что великий гуманист в пору религиозной борьбы католиков и лютеран не принял ничью сторону. Причина также в том, что будучи миротворцем он ненавидел любые войны.
Взаимоотношения автора и героини не однозначны. Временами она выступает как антагонистка автора, частенько он готов с нею не согласиться, но по мере повествования голос автора заглушают разглагольствования госпожи Глупости. Когда в ходе размышлений возникает вывод, что жизнь человеческая - это забава глупости, слышится скептический голос автора.
в Германии в связи с изобретением книгопечатания и получили широкое распространение в конце XVI в.
Героями народных лубочных изданий выступали как исторические герои, будь то Александр Македонский, Карл Великий или Генрих Лев, так и вымышленные: мошенник Тиль Уленшпигель и мудрец доктор Фауст. В первом случае персонаж внушал почтение богатырской отвагой, во второй привлекал изворотливостью и сообразительностью, которые были в большой цене в бюргерской среде. Таков Тиль Уленшпигель - герой одноименной немецкой народной книги. Прозвище персонажи состоит из двух слов: «Ule» (сова) и («Spiegel») (зеркало). «Совиное зеркало» воспринимается как мудрая насмешка над человеческой глупостью. Жизнеописание Тиля Уленшпигель составляют девяносто пять сатирических историй, в которых рассказывается, как Тиль скитаясь по белу свету, дурачит представителей различных сословий и профессий.
Тиль Уленшпигель - собирательный образ, в котором отразилась критическая обостренность народного сознания в период, непосредственно предшествовавший Крестьянской войне и Реформации в Германии первой четверти XVI в. Любимец народа постоянно ломает устойчивый сложившийся сословный порядок, осмеивая знать, богачей и святош.
К XVI в. относится легенда о Фаусте, впервые зафиксированная в немецкой народной книге, напечатанной во Франкфурте-на-Майне Иоганном Шписом в 1587г. Пространное заглавие передает ее содержание и цель издания: «История о докторе Иоганне Фаусте, знаменитом чародее и чернокнижнике, как на некий срок подписал он договор с Дьяволом, какие чудеса он в ту пору наблюдал, сам учинял и творил, пока, наконец, не постигло его заслуженное воздаяние. Большею частью извлечено из его собственных посмертных сочинений и напечатано, дабы послужить устрашающим и отвращающим примером и искренним предостережением всем безбожным и дерзким людям».
Фауст был реальной личностью, свои диковинные проделки он совершал между 1507 и 1540 гг. Множество рассказов священников, монахов, богословов, в том числе Мартина Лютера, свидетельствуют о богохульстве Фауста, который якобы умел загонять дьявола в бутылку, выставлял на лицезрение Елену Спартанскую, летал по воздуху, превращал воду в вино. В легенде о Фаусте произошла контаминация сюжетов о многих магах и чародеях, чьи неординарные поступки волновали воображение средневекового человека. Фамилия Faust (кулак) была довольно распространенной; он фигурирует то как Георг, то Иоганн. Все эти детали убеждают, что легендарный Фауст - образ собирательный. Отношение к нему в народной книге далеко неоднозначно. С одной стороны богоотступник Фауст заслуживает безусловного осуждения. С другой стороны, он вызывает восхищение как человек, рискнувший расширить людские возможности, преодолеть предел, который положен человеческому существованию Богом. Именно эта сторона натуры Фауста восхищала безымянных сочинителей.
того, чтобы обрести познания о божественном мироустройстве. В заключении народной книги Фауст каялся в грехах и призывал ни в коем случае не подражать ему.
Образ Фауста, нашедший отражение в народной книге, получил свое дальнейшее развитие в кукольной комедии неизвестного автора «Доктор Иоганн Фауст» (XVII в.), в «Трагической истории доктора Фауста» английского драматурга Марло, в трагедии Гете «Фауст», в романах Т. Манна «Доктор Фаустус» и К. Манна «Мефистофель».
Народные книги сыграли очень важную роль в становлении немецкой и мировой литературы как источник многих образов, сюжетов и конфликтов.
Альбрехт Дюрер (1471-1528) - истинный титан немецкого Возрождения. Круг его интересов обширен. Творческое наследие огромно. Он был великолепным живописцем, гравером, резчиком по дереву, слоновой кости, по камню и по металлу, архитектором и теоретиком искусства. Его трактат «Четыре книги о человеческих пропорциях» служил руководством не одному поколению художников.
Дюрер родился в Нюренберге, в бюргерской семье среднего достатка. Художник оставил портреты своих родителей, скромных, но уважаемых людей. Учился Дюрер у нюренбергского художника Вольгемута. В 1490-1494 гг. путешествовал по Германии, в 1505-1506 гг. жил в Италии, большей частью в Венеции и Болонье. Позже он побывал в Голландии. Впитав опыт немецких и итальянских мастеров, Дюрер выработал свой мощный и чрезвычайно детализированный стиль. В живописи и графике Дюрера масштабность изображения и эпический сюжет сочетаются с конкретными подробностями, тщательно выписанными деталями.
Дюрер неоднократно в живописи и в графике создавал образы прародителей человечества - Адама и Евы. В изображениях Дюрера сочетаются идеальные типы людей с конкретностью облика соотечественников художника. «Адам и Ева» (1507 г.) прекрасны, но на лицах их прочитывается ожидание неизбежного греха и трагизм его последствия для всего рода людского.
Гравюры Дюрера разнообразны по тематике и настроению. Как график он умел передать психологические состояния персонажей, их внутреннюю сосредоточенность, что особенно ощутимо в таких гравюрах, как «Меланхолия» или в изображениях св. Иеронима, переведшего Библию на латынь. Альбрехт Дюрер создал множество иллюстраций к Библии, среди них самые впечатляющие - иллюстрации к Апокалипсису.
В разгар борьбы католиков и лютеран, Альбрехт Дюрер пишет на дереве грандиозный диптих «Четверо апостолов» (1526 г.). Художник изображает их попарно: Иоанн и Петр, Лука и Матфей. На картине четыре последователя Христа, четыре наставника человечества и четыре темперамента. Дюрер тщательно выписывает лица, акцентирует внимание на глазах, но особый акцент делает на их плащах, написанных локальным цветом, подчеркнутыми тенями складками. Цвет сам по себе создает тревожные, волнующие ощущения. Картину сопровождают четыре выдержки из апостольских наставлений о том, сколь опасна ересь и кровавая вражда во имя ложных заветов веры.
Дюрер написал несколько автопортретов. Первый из них создан в тринадцать лет. На нем обычный мальчик пристально всматривается в окружающий мир. Двадцатилетний Дюрер изображал себя в расцвете физического и интеллектуального великолепия. Снова взгляд направлен прямо перед собой на зрителя. На немой вопрос отвечает надпись на автопортрете: «Дела мои идут, как предписано свыше». Смиренная надпись не должна ввести в заблуждение, он свято верил в Бога, но и в себя и в свой талант. При жизни он достиг высокого положения и почестей, став придворным живописцем сперва императора Максимилиана I, затем Карла V. У потомков он заслужил одно единственное звание - гений.
что было чрезвычайно важно, так как продолжалась реконкиста - освобождение земель, захваченных арабскими племенами. Экономика Испании была одной из самых отсталых в Европе. Приток дохода из колоний привел к резкому вздорожанию товаров и продуктов. Аристократам на золотой посуде нечего было есть, а что уж говорить о мелких дворянах - идальго, среди которых самой большой знаменитостью остается поныне дон Кихот Ламанчский, созданный фантазией Сервантеса.
Мигель де Сервантес Сааведра (1547 – 1616) был сыном бедного лекаря, принадлежавшего к сословию идальго. Отцу в поисках заработка приходилось скитаться по испанским провинциям, так что в детстве будущий писатель побывал и в Севилье и в Толедо, в Мадриде и в Кордове. Литературный дар Сервантеса проявился рано, уже в юные годы он сочинял сонеты.
Гонимый невзгодами и нищетой будущий писатель поступает на службу в армию, расквартированную в Италии, где он находился с 1569 по 1575 г. он участвовал в битве при Лепанто, покалечил левую руку. Решив вернуться в Испанию, он сел на корабль, который был захвачен алжирскими пиратами. Семья долгое время выкупить его не могла, и храброму солдату пришлось томиться в плену более пяти лет. Многочисленные попытки бежать из плена успехом не увенчались, а когда он вернулся домой, снова оказался в нищете. Ради заработка он обратился к литературе сочинил пасторальный роман «Галатея» (1585 г.) писал стихи и пьесы религиозного содержания. Самым значительным драматическим произведением Сервантеса является трагедия «Нумансия» (1583 г.), в которой иберы, осажденные в городе Нумансия войском римского полководца Сципиона, предпочли погибнуть, но не сдаваться захватчикам.
В 1594 г. писатель получил должность сборщика недоимок в Гранаде. Это стало причиной нового несчастья. Собранные деньги он доверил банкиру, который объявил себя банкротом и пустился в бега. По обвинению в растрате писателя бросили в тюрьму в 1597 г., где провел целых пять лет. Последние годы жизни Сервантеса были посвящены роману, о подвигах Кихота, который создавался в условиях мучительной нужды. Первая часть романа «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский» вышла в 1605 г., появление поддельного продолжения рассказа о приключениях рыцаря печального образа заставило автора поторопиться, и в 1615 г. читатель смог познакомиться со второй частью.
идальго и кое-кто из его соседей и приятелей, всерьез воспринимать чародеев и злодеев могли только очень наивные люди, не сведущие в реальной жизни. Сатирический эффект повествования Сервантеса основан на полном несоответствии образов и ситуаций рыцарских романов и всему, что встречается полоумному идальго на путях и перепутьях его скитаний. Однако Дон Кихот видит то, что хочет видеть: в скотнице Дульсинее – Прекрасную даму, в ветряных мельницах – великанов, в горной пещере – хрустальный замок.
Он и по возрасту никак не соответствует идеальным героям рыцарских романов, и облачение носит вполне карнавальный характер, и ритуалы которые соблюдает деревенский кабальеро уморительны своей нелепостью. Санчо Панса с его толстым брюхом и коротким туловищем, восседающий на осле не соответствовал представлениям о верном оруженосце. Однако Дон Кихот, отправляющийся совершать подвиги следует велению рыцарского долга: «Искоренить насилие и оказать помощь в покровительстве несчастным». Он говорит об этом, увидев каторжников, которых ведут на галеры. Всякое благородное деяние оборачивается против идеалиста и мечтателя, который не успевает залечивать раны.
Постепенно отношение к Дон Кихоту у читателя меняется; вопреки первоначальному стремлению рассмешить читателя пародией на рыцарские романы, Сервантес заставляет задуматься, сколь трагично положение человека, устремившегося к осуществлению гуманистических идеалов.
«Дон Кихот» – первый роман в европейской литературе, ибо природа жанра романа основана на том, что личность на собственном примере проверяет общечеловеческие идеалы, изучает пути и возможности их осуществления.
Альянс Дон Кихота и Санчо Пансы смешон внешним и внутренним контрастом: худющий идальго и толстяк-крестьянин, мечтатель-визионер и смышленый прагматик. Однако во время долгих скитаний они многому научатся друг у друга. Но важно другое. Сервантес в двух нераздельно соединенных персонажах впервые показал целостность человеческого сознания, в котором уживаются два контрастных взгляда на мир. В конце концов внутри каждого живут и Дон Кихот, и Санчо Панса.
проникнут весь преданностью идеалу, для которого он готов подвергаться всевозможным лишениям, жертвовать жизнию; самую жизнь свою он ценит настолько, насколько она может служить средством к воплощению идеала, к водворению истины, справедливости на земле. Нам скажут, что идеал этот почерпнут расстроенным его воображением из фантастического мира рыцарских романов; согласны - и в этом-то состоит комическая сторона Дон Кихот: но самый идеал остается во всей своей нетронутой чистоте».
С этой прозорливой оценкой образа рыцаря-гуманиста нельзя не согласиться. В словах И.С. Тургенева содержится ключ к пониманию синтеза трагического и комического в великом романе Сервантеса.
Возрождение в Англии.
В английском ренессансном искусстве рубежа XVI-XVII вв. ведущая роль принадлежала театру. Уильям Шекспир (1564-1616) явился самым репертуарным драматургом. В Лондоне, вернее за городской чертой находилось несколько театральных зданий: «Лебедь», «Куртина», «Глобус». Последний был собственностью Ричарда Бербеджа и его семьи. Шекспир был дружен с ним и писал пьесы в расчете на то, что Бербедж будет играть в них главные роли. Кстати актерами были только мужчины. Все в труппе были пайщиками, Уильям Шекспир был посредственным исполнителем, но прославился как драматург. Впрочем, в ту пору драматургия не ценилась как высокая литература, так как пьесы множество раз переписывались, текст приспосабливался к возможностям труппы. Драматург отдавал свое детище в театр, получал вознаграждение и терял право собственности на трагедию или комедию.
Здание театра представляло собой усеченый конус. В партере зрители стояли, на ярусах находились скамьи. Сцена строилась на двух уровнях: нижний был выдвинут в зал, верхний представлял собой балкон. Легко понять сценическое устройство, вспомнив объяснение в любви Ромео и Джульетты.
комментировал происходящее в английских театрах: «В них вы увидите, с одной стороны Азию, с другой - Африку и так много королевств поменьше, что актер, появляясь, должен сначала сообщить, где он находится, иначе действие будет непонятным. Вот вы видите трех дам, собирающих цветы, и потому должны верить, что сцена представляет собой сад. Затем мы слышим весть о кораблекрушении на том же месте, где сад. И это наша вина, если мы не примем сад за скалу. Тем временем на сцене появляются две армии, представленные четырьмя мечами и щитами, и чье же жестокое сердце не сообразит, что - это поле грандиозного сражения»?
Современник Шекспира увидел в спектаклях убогость декораций, а между тем в шекспировском театре вследствие этого возникла особая система условностей, основанная на первостепенной ценности поэтического слова.
О жизни У. Шекспира сохранилось немного сведений. Он родился в Стрэтфорде-на-Эйвоне в центральной части Англии. Отец его занимался ремеслом перчаточника. Шекспир посещал грамматическую школу, изучал латынь и греческий, историю и риторику. 28 ноября 1582 г. состоялось его венчание с Энн Хетуэй, которая была несколькими годами старше его, 26 мая крестили дочь Сьюзен. В феврале 1585 г. у них родилась двойня: Джудит и Гамнет, который умер в 1596 г. Дочери пережили отца. Им он оставил все свое имущество, будучи в конце жизни весьма состоятельным владельцем недвижимости. В завещании не указаны его произведения, что по началу смущало шекспироведов, но ведь пьесы стали собственностью театра. Шекспировский канон составляет 36 пьес и «Перикл», сочиненный, по-видимому в соавторстве. Драматические произведения автора при жизни редко издавались. Только после смерти Шекспира его друзья-актеры Хеминг и Конделл напечатали так называемое Первое Фолио, куда вошло почти все его наследие.
Рукописи Шекспира не сохранились, и вследствие этого возникла гипотеза, что Шекспир - подставное лицо, а подлинным автором его произведений был кто-то из образованных аристократов, считавший для себя зазорным фигурировать в качестве драматурга. В пользу этой версии говорит и тот факт, что Шекспир по-видимому, не покидал пределов Англии, тогда как действие его пьес происходит в разных странах. Однако не по этой ли причине у Шекспира встречаются разного рода географические несуразности?
Шекспир или не Шекспир был автором гениальных творений для театра? Этот спор ведется с середины XIX в. то затихая, то оживляясь.
из Стрэтфорда, в памфлете именовал его выскочкой, вороной, а обыгрывая его фамилию назвал его Shake - scene - потрясатель сцены.
В творчестве Шекспира выделяются три этапа. Первый - последнее десятилетие XVI в. В этот период Шекспир обращается к разным жанрам. Он выступает как поэт. На античные сюжеты он пишет поэмы «Венера и Адонис» (1593 г) и «Лукреция» (1594 г.), посвященные графу Саутгемптону и имевшие большой успех.
Нижеследующие. Сонеты. Мистеру. W.H. - Всякого. Счастья И. Вечности. Обещанных. Ему. Нашим. Бессмертным. Поэтом. Желает. Благожелающий. Дерзатель. Сего. Предприятия. Т.Т.». Последние инициалы расшифровываются просто: Т.Т. - Томас Торп, издатель. Но кто такой мистер W.H.? Над этим ломает голову не одно поколение шекспироведов. Вероятнее всего это Генри Ризли (Henry Wriothesley), кому были посвящены поэмы, то есть граф Саутгептон. Но может быть Уильям Герберт (William Herbert), кому посвящено первое фолио. Творчество Шекспира таит в себе много загадок, к числу которых относится и сюжет сонетного цикла, большая часть которого посвящена неизвестному другу. Воздавая должное его духовному и физическому совершенству, Шекспир не раз говорит о том, что его долг оставить после себя достойное потомство. Затем появляется героиня, именуемая обычно «смуглая леди сонетов». Поэт не идеализирует ее, но восхищается ее земной красотой:
Ее глаза на звезды не похожи, Нельзя уста кораллами назвать, Не белоснежна плеч открытых кожа, И черной проволокой вьется прядь. С дамасской розой, алой или белой, Нельзя сравнить оттенок этих щек. А тело пахнет так, как пахнет тело, Не как фиалки нежной лепесток. (...) (Пер. С. Маршак)
Шекспир полемически настроен по отношению к другим авторам сонетов, которые воспевали прекрасных дам, его возлюбленная реальная земная женщина и тем сильна ее привлекательность. Лирический герой в переживет двойную измену: друг и возлюбленная соединяют свои судьбы. Сонеты посвящены традиционным темам, Шекспир размышляет о дружбе, любви, творческом бессмертии. Порой он сравнивает себя с актером, а мир предстает театральным зрелищем.
это понравится». В комедиях всегда несколько любовных линий. Между влюбленными персонажами происходит состязание в остроумии, красноречии, находчивости. Герои, как например, Петруччо в «Укрощении строптивой» наделены деятельным ренессанским характером, они упорно идут к цели, а каждое препятствие на пути их только раззадоривает, так как дает повод продемонстрировать незаурядность натуры. Героини, подобно Катарине, из той же комедии, отнюдь не робкого десятка, они умеют постоять за себя, но готовы подчиниться жениху, равному по уму и силе воли. Многочисленные розыгрыши, каверзы завистников, карнавальная травестия подчеркивают бесконфликтность комедий. Шекспировский зритель всегда уверен: «Конец - делу венец», как звучит название одной из комедий. Важно лишь одно условие: герой должен следовать велениям природы, и тогда он в награду получит ту, которая полюбит его навсегда. Такова основная мысль комедии «Сон в летнюю ночь», где силы природы выступают наставниками влюбленных. То, что автор этой комедии отлично знал театральные нравы, видно из эпизодов с афинскими ремесленниками, которые уморительно разыгрывают «Преужасную историю Пирама и Фисбы».
К первому периоду относится трагедия «Ромео и Джульетта», в которой нет еще того мрачного колорита, как в последующих трагедиях. Любовная история двух юных веронцев, полюбивших друг друга вопреки семейным распрям, разыгрывается на городской площади, на балу и во время ночного свидания. Можно предположить, что Ромео и Джульетта так же могли бы обрести счастье, как Геро и Клавдио в комедии «Много шума из ничего». На первый взгляд, причина гибели героев в роковом стечении обстоятельств. Однако конфликт трагедии в другом: в мире, сохраняющем средневековые пережитки, герои осмелились жить на ренессанский лад. Они опередили время и поплатились за это.
Законы времени, их власть над правителями и рядовыми людьми Шекспир раскрывает в исторических хрониках: «Ричард II», «Генрих IV», «Генрих V», «Ричард III». События, хроник, в основном, ограничены хронологически рамками войны Алой и Белой роз (1455-1485). Шекспир показывает, как на исходе кровавых междоусобиц в Англии устанавливается законная власть. В хрониках настойчиво проводится мысль, что справедливым правителем может быть только внутренне свободная личность, которая, тем не менее, во всем следует закону. Таков Генрих V. Будучи принцем он в хронике «Генрих IV» водил дружбу с Фальстафом, участвовал в кутежах и шутовских проделках. Но унаследовав корону и трон, он не узнал «давнишнего приятеля», быть запанибрата с вольнолюбивым весельчаком ему теперь не пристало.
Ко второму периоду творчества Уильяма Шекспира, ограниченному 1600-1608 гг., относятся, прежде всего, его великие трагедии: «Гамлет» (1601), «Отелло» (1604), «Король Лир» (1605), «Макбет» (1606) и трагедии, написанные на сюжет из истории Древнего Рима.
Легенда о принце Гамлете была впервые записана датским историком Саксоном Грамматиком в начале XIII в. В ней рассказывалось о том, что некий Фенгон, терзаемый завистью к царствующему брату, убил его и женился на его супруге Геруте. Гамлет, притворившись слабоумным, и тем самым усыпив бдительность дяди, жестоко отомстил Фенгону и его сподвижникам. Французский писатель Франсуа Бельфоре этот сюжет пересказал в своих «Трагических повестях» (1572 г.), которые стали известны в Англии. По-видимому, Шекспир не первым из английских драматургов был автором трагедии о принце датском, существует предположение, что до Шекспира трагедию «Гамлет» написал Томас Кид, но дошекспировская версия до нас не дошла.
найти бесспорнее подтверждения случившегося, устраивая с помощью актеров испытание дяди, который попадает в ловушку, видя на сцене преступление, совершенное им в реальности. Однако по здравому размышлению Гамлет приходит к идее бессмысленности мести. Он сознает, что месть и справедливость - это не одно и то же, так как, пролив кровь, он мир не исправит. Гамлет трагически ощущает несовершенство окружающего. Дания видится ему тюрьмой, дворец Эльсинор заполнен предателями и шпионами, причем в роли соглядатаев выступают самые близкие ему люди. Это парализует волю к жизни Гамлета, в знаменитом монологе «Быть или не быть?», он ставит под сомнение целесообразность самого человеческого существования в несправедливом мироустройстве. Этот монолог перекликается с 66 сонетом. (См. , , , , , )
Конфликт трагедии усугубляется тем, что Гамлет находится в разладе с самим собой. Он осознает, что та миссия, которая выпала на его долю, невыполнима, ибо ему не дано реализовать гуманистические принципы. Но Гамлет в финале действует активно. Он сражается не с Лаэртом, который потерял отца, убитого Гамлетом, он сражается с миром зла без надежды на успех, и в конце концов выполняет волю отца. Убивая Клавдия, он добивается того, что в мире стало на одного злодея меньше.
В трагедии «Гамлет» любовные отношения главного героя и Офелии в значительно мере отнесены к прошлому, внимание обращено на предательство возлюбленной принца, по слабости позволившей подслушивать их диалог. В «Отелло» Шекспир основное внимание сосредоточивает на отношениях венецианского мавра и красавицы Дездемоны. Здесь снова мотив женского предательства, притом мнимого, но приведшего к непоправимой трагедии. Было бы наивно не замечать ревности Отелло, как и объяснять все случившееся его неистовой ревностью. А.С. Пушкин в свое время заметил: «Отелло от природы не ревнив - напротив: он доверчив». В нашей стране принято трактовать «Отелло» как трагедию обманутого доверия. Роковую роль в конфликте играет Яго, который ненавидит Отелло, не за то, что обойден им в чинах, а по другой причине. Его бесит то, что воину и счастливому молодожену мир кажется прекрасным, а люди честными и добрыми. Яго видит мир скопищем мерзости и порока. Он стремится осквернить идеалы Отелло, ему удается обратить его в свое неверие, «доказав», что та, которая представляется мавру идеалом, распутна и греховна. Величие Отелло проявляется в том, что поверив злодею и совершив преступление, он сурово карает себя сам.
Л.Н. Толстой в трактате «О Шекспире и о драме» обрушил свой неправедный гнев на трагедию «Король Лир», сюжет которой представлялся русскому гению малоправдоподобным и неубедительным: «Лиру нет никакой надобности и повода отрекаться от власти. И так же нет никакого основания, прожив всю жизнь с дочерьми, верить речам старших и не верить правдивой речи младшей; а между тем на этом построена вся трагичность его положения».
Л.Н. Толстой судит ренессансного драматурга, как критически настроенный реалист, а между тем трагедия «Король Лир» несет в себе черты притчи и сказки, недаром события отнесены к IX в. до нашей эры, когда Британии как таковой не существовало. Лир у Шекспира отказывается от власти и владений в пользу своих дочерей, дабы насладиться их благодарностью. Лир верит наглой лести Гонерильи и Реганы, потому, что он считает себя центром мироздания и благодетелем человечества. Он сам из самого себя сотворил кумира. Корделия раздражают его, и он лишает ее наследства.
Третий период творчества Шекспира - 1608-1612 гг. Драматург создает такие драматические произведения как «Буря», «Цимбелин», «Зимняя сказка». В них много сказочного, фантастического. Трагический конфликт «Зимней сказки» подобен конфликту трагедии «Отелло», но обретает в финале счастливое разрешение, герои прощают друг друга. В этих пьесах ощущается примирение с жизнью, приятие бытия, каким бы драматичным оно ни было.
Последние годы жизни Шекспир провел в Стрэтфорде и к творчеству не обращался. По-видимому, был серьезно болен. Считается, что Шекспир и Сервантес умерли 26 апреля 1616 г., уход их из жизни стал завершением эпохи Возрождения.
Рекомендуемая литература
Баткин Л.М. Итальянское Возрождение. Проблемы и люди. М., 1995.
Бурхард Я. Культура Италии в эпоху Возрождения. М., 1996.
Лосев А.Ф. Эстетика Возрождения. М.,1978.
Пуришев Б.И. Литература эпохи Возрождения. Курс лекций. М.,1996.
Соколов М.Н. Вечный Ренессанс. М., 1999.
Шайтанов И.О. Зарубежная литература. Эпоха Возрождения. М., 1997.